http://es.scribd.com/doc/66889688/Primer-Acercamiento

Primer Acercamiento

Examen; Proyecto Personal

Para mi proyecto personal de fotografía, quiero basarme en fotografías callejeras, de manera que se logre retratar tanto a las personas como a la calle en sí misma, por lo que necesito crear recorridos por toda la ciudad de Santiago (ojala incluso fuera de esta, en otras regiones, en lo personal me gustaría viajar a Valparaíso para este trabajo), para así poder re-crear una realidad subjetiva según mi vista, a través de sus calles o personas.

Para esto pretendo buscar lugares o personas que personalmente me atraigan de alguna manera en especial, no sé exactamente en cual, pero esas cosas que llaman la atención de alguna manera en particular sin tener extravagancias de ningún tipo, simplemente por su manera de ir o estar en la vida.

Siempre van a existir cosas que llamen a la vista de una u otra manera, a veces por que son hermosas y otras veces por todo lo contrario, pero ese impacto que producen esos momentos específicos en mí, quiero congelarlos.

Sí se busca algún fundamento a esto, este sería buscar lugares dentro de el propio país; un país que personalmente siento que se encuentra en decadencia; buscar en él lugares y personas especiales para uno, de esas cosas que te llaman la atención y quieres mirar y descubrir pequeños detalles de por qué están ahí o por qué en ese momento, buscar esas coincidencias a las que a veces no se les da mucha importancia, la meta vendría siendo hacerlas llamar la atención, no sólo para mi.

Encontrar esas cosas, lugares que los miras y te preguntas realmente por qué están ahí, por qué de esa manera, a través de esto mismo fotografiar y quizás observar y re-descubrir, de alguna manera busco re-descubrir el lugar donde he vivido toda mi vida, a través de los detalles que generalmente uno deja de ver después de un tiempo.

Investigando un poco sobre el tema, que vendría siendo bastante común, me pareció interesante Helen Levitt, fotógrafa Estado Unidense que trabajaba principalmente con la fotografía en blanco/negro, algo que me gustó y quiero hacer de igual manera, ella fotografía las calles y a los niños que habitan en la ciudad.

Como referentes al trabajo aquí se encuentran algunas de sus fotografías.

Museo Nacional de Bellas Artes

20 de mayo

El museo se encuentra ubicado en Parque Forestal s/n. Casilla 3209, cerca del metro estación Bellas Artes.

El museo tiene como misión contribuir al conocimiento y difusión de practicas artísticas.

Mientras busca conservar, proteger, investigar, recuperar y difundir el patrimonio artístico nacional, también se interesa por educar estéticamente al público, organizando exposiciones del patrimonio nacional e internacional en sus diversas manifestaciones y épocas, resguardando su propio patrimonio arquitectónico y apoyando con la difusión de la cultura y el arte en Chile.

Director actual: Milan Ivelic

Secretaria: Verónica Muñoz 

Asistente Dirección y Curaderia: Soledad Novoa y Teresita Raffray

Relaciones Públicas: María Arévalo

Administración y finanzas: Rodrigo Fuenzalida

Presupuestos: Mónica Vicencio

Arquitecto: Fernando Gutiérrez

Departamento de Prensa y Comunicaciones

Periodista: Paula Fiamma

Departamento de Museo-grafía

Museo-grafía: Ximena Frías

Departamento de Conservación de colecciones

Conservadora y Curadora de colecciones: Marianne Wacquez.  

Durante el año 2010 y parte del 2011 la exposición de arte permanente de la colección chilena MNBA ha sido reemplazada por la exhibición de selecciones de obras correspondientes a los capítulos del libro Centenario MNBA publicado en Noviembre del año pasado.

Además a pesar de que anteriormente el museo tenía una mirada únicamente Clarisa, hoy en día ya se pueden apreciar dentro de el algunas obras un poco más Contemporáneas, observando como su mirada se ha ido ampliando.  

Micro-Paisajes; Pedro Bernal Troncoso

Consiste en 17 obras recientes y dos telas de los años 80', demostrando abstracción y representación.

La mirada en reposo; Cuarta Exposición del S. Centenario

Pinturas, dibujos, grabados, fotografías, registros de acciones de arte, multimedia e instalaciones componen la muestra cuya curaduría fue realizada por Angélica Pérez, incluye obras creadas entre los siglos XIX, XX y XXI por diversos artistas.
Dentro de esta exposición se encuentra el artista Alfredo Valenzuela, con su obra "Flores Japonesas".


Pablo Rivera.
En su obra, Rivera muestra a la lejanía un montón de objetos de "oro", al acercarse uno se da cuenta que solamente son moldes de los objetos reales, y que son moldes normales bañados en un oro de mala calidad (por lo que dijo la guía), por lo que es una obra que engaña y muestra el interés del hombre, ya que uno tiende a acercarse solamente al ver el oro.




Lo que me pareció más interesante de esta visita, fueron las bolsas de té en diversos puntos de "remojo" haciendo de ellas un cuadro, bastante engañoso, ya que al principio nadie imagino realmente que fueran bolsas de té, algo tan cotidiano puesto en un marco, creando una obra de arte.
Luego me parecieron interesantes las fotografías echas de granos de Sal, donde se les agregaban unos metales rojos y provocaban de igual manera un engaño al ojo, lo primero que imagine fue ver un avión en la nieve, en una de ellas y sólo era Sal y un trozo de metal con alguna forma.
También había una gran vitrina, donde parecía que habían diversos objetos de oro, al acercarnos junto a la guía nos explico que solamente eran moldes de objetos cotidianos, bañados en un oro de muy mala calidad. Pero es muy interesante ver como eso, al igual que lo anterior, nos engaña provocando un interés que otras cosas no provocarían. 

Sala de Arte CCU

13 de mayo

La imagen Domesticada

La sala de Arte CCU se encuentra ubicada en Av. Vitacura 2680, cerca del metro estación Tobalaba.

La curatoría de la Sala de Arte CCU es realizada por Andrea Jösch. 

Esta Sala consta de amplios lugares donde los artistas exponen sus obras, esta tiene 297 m2, 7 paneles móviles de 200x300 cm y 7 de 148x300 cm, ambos cubiertos en post-formado plástico y con patas metálicas desmontables. Consta además con un sistema de iluminación equipado con Halógenos PAR, Halógenos AR111 y Haluro metálicos. Y por último contiene 2 proyectores instalados en el cielo de la sala de 4.000 ansi/lumen, 1 reproductor DVD y uno VHS.

Los artistas creadores de esta obra son Alexis Mandujano y José Zubicueta, el segundo fue nuestro guía contándonos el mismo sobre la obra. 

Esta exposición tiene un carácter social, ya que el artista trabaja con gente de la calle, adentrandola en diversos lugares proyectados, además el expone su obra en diversos lugares donde participan desde personas de clases altas, medias y bajas, esperando mostrar realidades. 

Todo esto lo logra mezclando el arte y las nuevas tecnologías y gracias a ellas nos muestra una realidad en cierto punto "cinematográfica", pero en otro punto de vista, una realidad cien por ciento real. 

Me pareció muy interesante esta exposición, como en estos "cuadros", "proyecciones", se mostraban realidades diarias de personas comunes y corrientes de bajos recursos, en diversos lugares de nuestro País, siendo mezcladas en tres distintas proyecciones y atravesando las mismas en diversos momentos.
Creo que como interactuaban a través de los cuadros, y como estos se movían (el agua, por ejemplo) volvía la obra algo muy didáctico, que hacía que quisieras verlo hasta el final.
Además lo que nos contaba José Zubicueta sobre las exposiciones que se realizaban de esta obra, en diversos lugares, con diversos recursos y la aceptación que se tenía de la misma, incluso siendo mostrada en la misma población donde vivían las personas que en ella aparecían, me parece un trabajo muy lindo además de tener una gran influencia social.

Museo de solidaridad, Salvador Allende

6 de mayo

"Sculpere: Esculpir"

El Museo de la Solidaridad Salvador Allende, se encuentra ubicado en la calle República nº 475, relativamente cerca del metro estación República.

Las obras pertenecientes a este museo, son producto de la vocación solidaria que ha inspirado a artistas de todo el mundo, que han donado sus obras, expresando su apoyo al proyecto social y político que se desarrollo en Chile durante el gobierno de Salvador Allende.

Dando origen a una colección integrada por 500 obras, aproximadamente, que alcanzó a exhibirse en dos oportunidades antes del golpe de Estado de 1973.

Este hecho interrumpe el Museo, sin embargo genera su proliferación en el extranjero (Museos de la Resistencia o Museos de Salvador Allende).

Al "recuperar" la democracia en Chile, las obras de los demás museos, se unen al fondo original, re-inaugurando el Museo de la Solidaridad Salvador Allende en Septiembre de 1991.

"Hagamos la guerrilla interior para parir el hombre nuevo"

Las obras que conforman la colección del museo, ha tenido tres periodos. El primero corresponde a las 450 obras emblemáticas de la colección, con artistas como; Joan Miro, Frank Stella, Alexander Calder, Victor Vasarely, etc.
La segunda colección corresponde a la re-colección y donación posterior al Golpe de Estado del 73', obras donadas para los Museos de Resistencia en el período de exilio. Este conjunto fue acoplada en Europa y Latino-américa, en los países que no tuvieron dictaduras en esa época. 
La tercera está formada con artistas donantes, tras la recuperación de la democracia y re-inauguración del Museo, en forma conjunta a las primeras obras del 72'.


La solidaridad de los artista actuales se reflejo en nuevas donaciones del siglo XXI; Daniel Canogar, Eugenio Téllez, Juan Pablo Langlois, Carlos Altamiran, entre otros. Donaciones que se sostienen en el compromiso político del arte con la libertad.

La guía de este museo fue Gabriela Calvete y la muestra visitada fue  "Sculpere: Esculpir".                                                                     

No estuve presente durante esta visita, pero me parece muy interesante todo lo que tiene que ver con este museo y su recopilación de obras a través de donaciones, también el nombre que lleva debido a nuestro Presidente, Salvador Allende, siendo un museo de Solidaridad, al igual como él lo era.
Encuentro de igual manera que es muy interesante que las obras que se encuentren en él hayan sido recopiladas desde hace tanto tiempo, y que a pesar de los problemas que este Museo sufrió durante y luego del Golpe de Estado, logré seguir abriendo sus puertas.

Galería de Arte Gabriela Mistral

29 de abril

Micro-utopías

La Galería de Arte Gabriela Mistral se encuentra ubicada en la Alameda 1381, cerca del metro estación La Moneda.

Mientras la curatoria de este lugar se encuentra a cargo de Pamela Prado, el que nos dio la bienvenida al mismo fue Alonso Duarte. Siendo este un espacio público que depende del consejo Nacional de la Cultura y las Artes, consta de un pequeño espacio de dos salas donde los artistas exponen sus obras, constituyendo un espacio de exploración; ofreciendo no sólo un lugar de exhibición, si no que también un soporte teórico para discusión y reflexión a la producción de arte contemporáneo.

Su línea curatorial se dirige a la exhibición y difusión de arte contemporáneo chileno, tanto de artistas jóvenes como consagrados.

La obra que se exponía en la galería fue realizada por dos artistas; Jaime Vargas y Nicolas Sanchéz, ambos artistas chilenos.

10 de Marzo 2011

Pamela Prado en conversación con los artistas Nicolás Sánchez y Jaime Vargas. 

PP: Ok… vamos a comenzar. Me gustaría saber donde trabajan. En su taller? Casa?
NS: No tengo taller, he intentado usar la ciudad para eso. Mis materiales provienen de ahí y es ahí donde los trabajo e instalo. Mi casa es mi estudio, donde realizo el trabajo previo y posterior, más detallado y lento, de planificación, análisis y edición.
JV: A mí me pasa algo similar, es en mi taller donde se materializa mi obra pero parte importante de esta son las observaciones que realizo cada día del comportamiento de la gente, lo que luego pasa a mi croquera, elemento importantísimo a la hora de proyectar ideas visuales.
PP: ¿En qué grado su trabajo es artístico y en qué grado político?
NS: Mmm creo que mi trabajo es político en la medida en que es artístico. Siempre mi visión y práctica del arte han tenido que ver con la resistencia a entender la vida como un cookie cutter. Y esta postura inevitablemente crítica, contraria y testaruda carga y significa el trabajo políticamente. Me gusta pensar mis trabajos desde esa indisolubilidad del arte y la vida que plantea Joseph Beuys, o así como del lema feminista “lo personal es político”, que define el arte como una actitud de vida crítica.
JV: Creo que mi trabajo es un poco de ambos, pero particularmente mi trabajo es social. Lo que quiero mostrar a través de mi obra son distintas realidades y quizás producir un cierto impacto e interés en la gente que no está necesariamente ligada al arte.
PP: ¿Cuales son los elementos que están presentes constantemente es sus obras?
NS: Me interesa aislar dos; por un lado la búsqueda - en sentido metafórico y también literal- provocada por una insatisfacción constante y quizás imposible de colmar, que puede finalmente obedecer a la búsqueda mítica del axis mundi. Por otro lado está el carácter romántico, la aproximación melancólica a la realidad, un tanto desesperanzada y post-apocalíptica pero que en su hastío acarrea un asomo de alegría o esperanza.

JV: Los materiales que utilizo siempre han tenido la lógica del desuso, encontrando una riqueza visual en el deterioro que estas presentan así como la historia que exteriorizan por su antiguo uso o funcionamiento, es una forma de reciclaje, reutilización y re-significado de cosas que están como basura o chatarra. Y como dije anteriormente son las temáticas sociales las que acompañan comúnmente mí trabajo.
PP: ¿Quiénes son tus referencias?
NS: Respeto mucho el trabajo de Joseph Beuys, los Situacionistas, los paisajistas románticos, Robert Smithson, Richard Long, Edward Hopper, Andreas Gursky y Francis Alÿs por nombrar algunos de la esfera de las artes visuales. Si me permites ampliarme me gustaría nombrar a los poetas malditos, a H.D. Thoreau, Manfred Max-Neef, Adolfo Aristarain y Charly García.
JV: Referentes teóricos importante dentro de este trabajo han sido Karl Marx, Walter Benjamin, Felix Guattari, Humberto Giannini, Theodore kaczynski y Descartes entre otros. Y por supuesto Jean Tinguely, los Futuristas, Surrealistas, Dada, las máquinas deDa Vinci, Tacola, entre otros.
PP: En ambos trabajos hay una crítica fuerte al Capitalismo, pero desde puntos de vistas distintos. ¿Podrían desarrollar un poco mas este punto?
NS: Yo creo que la crítica que atraviesan mis trabajos en general, más que aterrizarla al modelo económico y su funcionamiento…discusión muy poco poética por lo demás… es a su aplicación como religión, ideología y modelo único. Es decir,  llevar el valor de cambio a todos los niveles de la vida humana es ver y entender el mundo de manera muy incompleta, a la manera de un gran supermercado. Eso ha desencadenado ciertas ideas de progreso en donde el aplanamiento progresivo del mundo es celebrado en forma de suburbios aislados, torres habitacionales y ciudades dormitorio unidas por autopistas de 6 vías, por decir sólo un ejemplo ligado a la vida urbana.
JV: La crítica que hago al sistema capitalista se refiere al cómo se resume la vida a ciclos diarios rutinarios, una formula mecánica, algo más bien  impuesto que consecuentemente enajena al individuo y produce una mecanización generalizada en todo orden de cosas.
PP: Eso me recuerda al film  Tiempos Modernos de Charles Chaplin…
JV: Exactamente, en esa película la saturación de trabajo, los gestos repetitivos que hace el trabajador diariamente a ritmos y compases acelerados no marcadas por un pulso natural evidencia la mecanización de la vida de las personas. En el caso de mi obra quiero evidencia como estos gestos que se producen diariamente, ya sea en el trabajo, la casa o el trayecto entre ambos, son gestos que se vuelven automáticos, que ya no tenemos conciencia de estos, por lo que estas acciones se transforman en gestos mecánicos.
PP: Cuando hablo de micro-utopías es en relación a como sus obras tienen un impacto social, como fuerzan a cuestionar las estructuras de la sociedad, renunciando a cambiar el mundo pero presentando realidades alternativas. ¿Cuáles consideran ustedes que son estas realidades?
NS: No sé si las realidades que presento son muy definidas, pero si al menos sugiero un territorio desde donde imaginarlas. Lugares efímeros donde operan otras coordenadas de sentido, donde tras la grasa de las capitales está la memoria, los recuerdos, la historia, la cultura, el conocimiento, la contemplación, la relación con la naturaleza, la escala y velocidad humana, la auto-contención, el vinculo social, la generosidad y la comunicación que finalmente nos permiten entendernos y entender lo que nos rodea de maneras más ricas y diversas.
JV: Es difícil pensar en proponer concretamente una realidad alternativa, sin embargo pienso que mi trabajo podría generar consciencia en las personas sobre esta automatización y promover más bien la autonomía.
PP: ¿De qué manera su trabajo se relaciona con el espectador?
NS: Intenta justamente invitarlo a estas nuevas realidades, a crear las suyas propias. Y aquí rescato la importancia del gesto en mi trabajo,  por ser más sugerente en su actitud que efectivo en su acción, por ser, más que una obra terminada para admirar, una sugerencia, una invitación donde el propio deseo del espectador puede surgir. Está la intención de iluminar con poesía modos alternativos de vida, formas creativas de habitar, otras visiones sobre la realidad.
JV: La relación de mi trabajo con el espectador tiene mucho de observación ya que al ser mecanismos en movimiento llama bastante la atención además del ruido que estas producen hace que no pacen inadvertidas. El hecho de proyectar las sombras de las máquinas en los muros de la galería hace que estas se mezclen con la sombra del espectador al momento de circular alrededor del trabajo, insertándolo dentro de este conjunto maquinario en movimiento.
PP: Finalmente, ¿en qué consiste la obra que presentas en Micro-Utopías?
NS: El trabajo se llama La balsa de Noé (living off) the fat of the land y su nombre proviene del relato bíblico en donde Dios ordena a Noé construir una balsa para ir en busca de otra tierra, “en donde germine la semilla de una nueva humanidad”. La parte en inglés del título - living off the fat of the land – también comparte ese origen, y su significado original hace referencia a vivir de la fertilidad y abundancia de la tierra, frase que hoy traduzco tristemente como vivir de la grasa de las capitales. Concretamente la instalación en la galería consiste en la proyección de un video que registra el proceso de construcción con desechos, de una balsa en la que navego aguas abajo el río Mapocho, embarcación que también es parte de la muestra.
JV: Mi obra Luddites consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas dentro del espacio de la sala de la galería. Ambas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm, unidos a base de pernos y pletinas. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. Las poleas corresponden a las antiguas máquinas de coser accionadas con el pie. Ambas se activan a través de censores de movimiento y funcionan con un motor respectivamente. Ambas máquinas reproducen una serie de gestos humanos como colgar un teléfono, escribir en una máquina de escribir, levantar reiterativamente el pie, etc. Pero no desde la lógica de movimientos cotidianos, sino más bien son movimientos enfermizos y repetitivos propios de una alienación, donde se persigue crear una experiencia más bien ominosa. 

Sinceramente no logré entender el barco de botellas, ni las maquinas que habían en el lugar, pero me gustó la proyección que se realizaba.

Me pareció más didáctica, mientras lo demás lo veía y lo veía y no lograba entenderlo y tampoco me parecía muy interesante. 

Centro Cultural, Palacio La Moneda

22 de abril

Arte en América

El Centro Cultural del Palacio La Moneda esta ubicado en Plaza de la Ciudadanía nº 26, cerca del metro estación La Moneda. 

Este lugar consta de 3 sub-niveles

Esta exposición consta de 2 salas, una ponientes dividida en tres secciones y una oriente dividida en dos secciones, además de un hall central.

Esta exposición contiene más de 200 obras y además de ocupar un gran espacio para poder ser expuesta, es la más grande que se ha presentado hasta la fecha y la primera en nuestro país realizada con estas obras de gran valor artístico y significación tanto de diversidad cultural, como de las ideologías, sensibilidad y movimientos sociales que han marcado América.

La organización de este centro esta a cargo de:

Directora Ejecutiva: Alejandra Serrano

Gerente de administración y finanzas: Micaela Thais

Además de áreas de; Comunicación y Marketing, Exposiciones, Educación, Tecnologías, Seguridad y Servicios, áreas Tecnicas, Cineteca Nacional y un centro de documentación de Artes Visuales.

La ideología de este centro esta llevada a enriquecer la cultura de la sociedad chilena y extrajera, además de tener áreas de educación para estudiantes relacionadas con el patrimonio nacional y externo.

La selección de obras de "Arte en América" incluye a 28 artistas americanos como; Andy Warhol, Roy Luchtenstein, Wilfredo Lam, Roberto Matta, Mario Carreño, Samy Benmayor, Matilde Pérez, Juan Downey, Oswaldo Guayasamín, Guadalupe Posada, Rufino Tamayo, David Alfaro, entre otros. 

Mezclando diversas técnicas y formatos, representativos de cada artista, esta muestra expresa inquietudes y costumbres de diversos pueblos y épocas, expresando movimientos, conflictos políticos y sociales, la globalización culturar y diversas cosas que afectan el continente interactuando un montaje de influencias y discursos. 

Me gusto mucho esta recopilación de obras Latino-americanas, me pareció muy interesante y una manera didáctica y diferente de mostrar cultura a la sociedad.

El arte muchas veces esta poco valorada, pero ver todo lo que los países de Latino-américa puede re-copilar a través del tiempo, y especialmente ver muchas de estas obras en un solo lugar y en un momento, creo que es algo increíble.

En lo personal, me gusta mucho el cuadro de Guayasamín que se exponía en una de las salas.

Además de lo que se encontraba en el Hall central, dando esta       especial forma, donde uno podía dejar un mensaje.

Centro Cultural, Matucana 100

8 de abril

Volumen Sintético 

El Centro Cultural Matucana 100, se encuentra ubicado en Av. Matucana nº 100, cerca del metro estación Quinta Normal o Estación Central.

Este lugar consta de diversos espacios para que los artistas expongan sus obras; una huerta, sala de ensayo de teatro, galería de artes visuales (un amplio lugar, algo destruido debido al terremoto del 2010), etc.

La sala donde se realizó la exposición que hemos visitado nosotros, era bastante amplia, ya que la obra de Bustamante necesitaba bastante espacio debido al tamaño que esta tenía. 

Esta obra pertenece a un artista Chileno llamado Ariel Bustamante, consiste en una muestra centrada en el ámbito sonoro y auditivo, llamada "Volumen Sintético". La relación entre lo sonoro y visual, es parte principal de la investigación de este artista y por ende nos lleva a su obra.

Esta pseudo-antena es una estructura parabólica de 1,80 metros de diámetro, contiene 1.620 audífonos y sus fuentes sonoras se centran en un punto focal aumentando el volumen general. Este proyecto logra interceptar vista y audición, absorbiendo cargas auditivas y visuales del espacio en un órgano mixto de exhibición.

Bustamante ha inaugurado un nuevo ciclo en Matucana 100, titulado "Comunidad Concreta", donde su obra ha sido la primera de seis más. 

El centro Cultural consta de una organización interior muy marcada, donde existe un Presidente, vice-presidente, secretario, tesorero y consejeros, una dirección ejecutiva y áreas para la comunicación y otras para las operaciones.

Barbara Palominos dirige el área de Artes Visuales, mientras Gonzalo Pedraza es el curador de la misma.




La obra me pareció interesante, insisto que me parece muy interesante la mezcla de tecnologías con el arte, aun que realmente no la entendí completamente.
Me parece interesante esta mezcla auditiva y visual que adquiría esta maquinaría gigante llena de audífonos. 


Me pareció interesante lo que se hablaba sobre la Sala más grande del Centro Cultural, la que se había caído durante el terremoto del 2010, y los usos que se le lograban dar a la misma, debido a que eran bastante difíciles por su gran tamaño.